Výber kritikov: 10 najlepších filmov roku 2013 podľa filmu Indiewire's Film Critic

Buďme úprimní: Žiadny prehľad roku v kine nedokáže úplne vyjadriť jeho rozsah. Každý rok sa stovky filmov dostávajú do divadiel, televízií a digitálnych platforiem, zatiaľ čo na festivaloch po celom svete sa objavuje nespočetné množstvo ďalších. Top 10 zoznamov je obzvlášť podivných, zložitých spôsobov, ako zredukovať tento hustý nápor na komplexnejší balík. Ale niekto trpký alebo bezradný na to, aby prepustil rok 2013 alebo iný rok, najmä ten istý týždeň, pre médium ho zjavne nezažil.



A napriek tomu: Toto bol slabý rok pre trhákov. „Gravitácia“ a nadchádzajúce „The Hobbit: Desolation of Smaug“ boli hlavnými okuliarmi medzi hlavnými vydaniami, a to najmä využívaním špeciálnych efektov ako rozprávacích zariadení, a nie čistého dymu a zrkadiel, na odstránenie ďalších nedostatkov. Ak sa však hollywoodsky produkt prehĺbil viac ako obvykle, rok bol obzvlášť silný prakticky v každom inom ohľade.

bude vysvetlená krv

Môj zoznam obľúbených položiek, ktorý som vydal tento rok a ktorý som začal zostavovať v januári, obsahuje viac ako 50 filmov, z ktorých mnohé by som mohol ľahko ospravedlniť umiestnením na nasledujúcom kole finalistov. Nasledujúce tituly však znížili nielen to, že sú vynikajúcimi úspechmi na mnohých úrovniach, ale aj kvôli ich kolektívnej rovnováhe. Celkovo vykresľujú živý obraz filmov vo všetkých svojich transformačných schopnostiach: Či už sa zaoberajú hlavnými historickými alebo intímnymi problémami, stierajú hranice medzi pravdou a fikciou, preberajú tradičné naratívne štruktúry alebo ich zbúrajú, sprostredkujú smútok alebo humor alebo niektoré kombináciou oboch, nikdy nie sú menej premyslenými a pútavými umeleckými dielami. Majú pretrvávajúce emocionálne, viscerálne účinky, ale sú tiež preliate provokatívnymi nápadmi.



Tieto možnosti sú zoradené, ale je samozrejmé, že sú prvotriedne.



10. „Sláva“

Jedným z hlavných problémov každej ročnej analýzy je to, že dodržiava pravidlá, ktoré nemajú nič spoločné s kvalitou. V tomto prípade naše základné pravidlá určujú, že zoznam 10 najlepších musí uznávať iba filmy, ktoré v kalendárnom roku dostali aspoň jeden týždeň divadelnej predstavenia alebo digitálne vydanie v Spojených štátoch. Zľavňuje to všetko, čo sa premietalo na filmovom festivale, ale bolo distribuované na budúci rok, ako aj nové tituly, ktoré ešte vôbec nemajú byť distribuované (pripravuje sa však zoznam najlepších nerozdelených filmov za rok 2013). Ďalšie znepokojujúce kvalifikačné pravidlá, najmä tie, ktoré sú stanovené v sezóne udeľovania cien, ešte viac komplikujú záležitosti. V minulom roku získala miestnosť „Room 237“ v týždni v New Yorku tridsaťdýždňový beh, aby sa kvalifikovala na udeľovanie cien, kým „oficiálne“ zasiahne divadlá tento rok v marci. Je to preto vydanie 2012 alebo 2013? Zmätok spôsobený takou nejednoznačnosťou viedol uznávanú prácu k ukončeniu na veľmi malom počte zoznamov.



A tak to súvisí aj s filmom „Gloria“. Čilský režisér Sebastian Lelio ohromujúco krásny portrét titulárnej ženy stredného veku, ako sa vracia späť, zakotvený pozoruhodným prelomovým výkonom Pauliny Garcie, sa stretol s veľkým potešením na Berlínskom filmovom festivale v roku vo februári. Tento mesiac spoločnosť Roadside přitiahne na jednu obrazovku v Los Angeles, aby Garciu udržala v súťaži o najlepšiu herečku, ale „Gloria“ sa do januára dostane do viacerých divadiel. Dovtedy sa pozrieme do zostavy Sundance a kto vie, čo iného, ​​a rok 2014 bude mimo prevádzky. Zdá sa teda vhodné vybrať tu a teraz „Gloria“ bez porušenia pravidiel, keď by aj tak mohla trochu vylepšiť.

Prvýkrát a naposledy, keď vidíme hlavnú postavu, 58-ročnú čílsku rozvodovú spoločnosť, ktorá dáva autorovi Sebastiánovi Leliovi meno dojímavej dramatickej krivky stredného veku, sa stratila v zamiešaní tanečného parketu - okamžite pochovaná svetom a voľne sa túlať. Keď Garcíove tajné výrazy hovoria oveľa viac ako jej slová, „Gloria“ skúma tento krehký stav bytia s mimoriadnou svedomitou. Je to otázka s otvoreným koncom, či Gloria niekedy nájde šťastie, ktoré hľadá, zatiaľ čo sa vyhýba izolácii stredného veku, ale jej neustále vyhľadávanie je statočné a hlboko zapletené. Lelio odhaľuje jej kolísavé myslenie prostredníctvom náhlych výbuchov, slávnostných odkladov, brilantných hudobných narážok a jedného úplne nezabudnuteľného bábkového kostra tanca - ktorého symbolická sila len mierne presahuje páva, ktorý dorazí neskôr. Z vizuálneho hľadiska „Gloria“ žije so živým myslením večne mladého hrdinu. Zabudnite na „Thor“; toto je superhrdina príbehu roka.

9. „Farba proti smeru toku“

Dlho očakávané pokračovanie režiséra Shane Carrutha v súvislosti s programom „Primer“ je konceptuálnou hádankou existenciálnej sci-fi. Ale aj keď to spočiatku vyzerá ako monumentálne škrabadlo na hlave, dej je v skutočnosti klamlivo jednoduchý: Je to príbeh ženy, ktorá sa zaoberá následkami toho, ako sa ošípané vymývajú mozog a nechajú sa jej implantovať vedomie - a to je len východiskový bod. To, čo začína ako prvotriedne telesné hrôzy, sa zmení na romantiku, ktorá hľadá dušu, keď narazí na inú osobu, ktorá mala podobné problémy. Ich hľadanie kolektívneho významu presahuje zjednodušujúce abstrakcie deja a nakoniec dospeje k bodu duchovného prebudenia na základe samotných príbehov.



V „Upstream Color“ je dosť jasne definovaných udalostí, ktoré začínajú zberom rastlinného materiálu v prologu, aby bolo možné naznačiť pevné rozprávanie o schopnosti transplantovať vedomie do prírody a naopak. V konečnom dôsledku na tom nezáleží, pretože film uľahčuje zametanie v prevažne bez slovnej postupnosti vizuálov, ktoré symbolizujú jeho postavy prichádzajúce k pochopeniu sveta za hranicami tunelového videnia každodenných problémov, ktoré sa na ne dostanú. Najmä Carruthova fixácia na prózu z „Walden“ poukazuje na tvrdenie Thoreaua, že príroda je kľúčovou cestou k pochopeniu reality. Z toho vyplýva, že „Upstream Color“, ktorý nájde človeka, ošípané a kvetinu zjednotený v úsilí nájsť logiku fragmentovaného sveta, udržuje rámec príbehu čisto ako nádoba na skúmanie transcendentálnych myšlienok.

Vo väčšom slova zmysle efektívne vytvára medzeru medzi nevyjadriteľnými emóciami a hlavnými príčinami. Carruth pritĺča základnú nevyvrátiteľnosť vesmíru, zatiaľ čo zostáva v úcte z toho celú cestu. „Upstream Color“ je bežne mätúca, ale nie príliš skľučujúca; jeho posledné nádherné okamihy vysvetľujú málo, ale napriek tomu vás ešte môžu pozvať.

8. „Počítačové šachy“

V „Počítačovom šachu“ je okamžitý pocit zmeny. Štvrtá funkcia Andrewa Bujalského ako spisovateľa-režiséra je viditeľná pre všetkých, ktorí sú oboznámení s jeho predchádzajúcou prácou. Zatiaľ čo vplyvná skupina Bujalski „Funny Ha Ha“ - spolu s následnými filmami „Vzájomné ocenenie“ a „Včelí vosk“ - boli takmer vzdorovito zastrelené na 16 mm film a zamerali sa na medziľudské vzťahy elegantných mladých dospelých, „Počítačový šach“ je dobová skladba 30 rokov v minulosti a snímané čiernobielo na analógovom videu nízkej kvality. Experimentálne však „Počítačové šachy“ spadajú do súladu s jeho precedensmi a zároveň dosahujú omnoho zábavnejšie a neprekonateľnejšie výsledky.



Film je zameraný na skupinu proto-počítačových hlupákov zapojených do turnaja, aby navrhol prvotriedny šachový softvér pre svoje neohrabané stroje. Vychutnáva nepríjemné prejavy brilancie z introvertných potenciálov. Dôvtipný súbor, ktorý sa odohral počas víkendovej hotelovej konferencie „Počítačový šach“, odráža predchádzajúce snahy Bujalského tým, že skúma pratfáby nesprávnej komunikácie v pokračujúcom móde. Posun v tomto prípade spočíva v tom, že sa táto myšlienka dostane do logického, veselého extrému človeka proti stroju.

Počítačový šach, ktorý sa odohrával začiatkom 80. rokov (krátko pred rokom 1984, aby zodpovedal jeho technofóbnej téme), sa koná na konferencii, na ktorej takmer každý verí, že budúcnosť dorazila v podobe nepraktických spracovateľov, ktorých študenti do hotela vťahujú. Z hľadiska 21. storočia má toto pokračujúce tvrdenie absurdné rozmery, ale Bujalského talent pre dialóg rýchlo znehodnocuje materiál akýchkoľvek ťažkých satirických zámerov. Namiesto toho, pri úvodnej panelovej diskusii na čele s profesorom a šachovým šampiónom Patom Hendersonom (filmový kritik Gerald Peary, ktorý vyžaruje zábavnú zmes šialenstva a zdesenia), film úhľadne vytvorí svoj svet a zostane v ňom až do samého konca. Na začiatku sa na vás „počítačový šach“ rozrastie, keď sa jeho predmety vyvíjajú do jemných, rozzúrených trojrozmerných stvorení, ktoré nie sú schopné zladiť svoje záujmy so spoločnosťou všeobecne. Film podáva svoju vtipnú tézu v klaustrofóbnych termínoch, ktoré sú naznačené čiarou sarkasticky spomínanou už skôr: „Stroj nemôže konkurovať ľudskej duši.“ Nakoniec však tento návrh nie je ani zďaleka istý.

7. Vo vnútri Llewyn Davis

„To je ľudová pieseň,“ hovorí Llewyn Davis (Oscar Isaac) v úvodnej scéne výstižne nazvanej „Inside Llewyn Davis“ od Joela a Ethana Coena po tom, ako odohral výberovú melódiu pre útulnú izbu v newyorskej kaviarni Gaslight okolo roku 1961. Jeden by mohol zvyčajne robia podobné vyhlásenie o obyčajne výstredných dielach bratov Coenových - áno, to je film Coena, ľudia - ale toto je iný príbeh.



Svetlo na sprisahaní, ťažké na melódiu a pocit: „Inside Llewyn Davis“ si vyžaduje inšpiráciu z kariéry ľudového speváka Dave Van Ronka, ale vyhýba sa pasci biopika alebo vyslovuje o éry rozsiahle vyhlásenia. Namiesto toho prchavé Llewynove prchavé omyly, ktoré ho považujú za driftu z jedného gauča na druhý, zatiaľ čo sa snaží zdôvodniť svoju kariéru, vedú k delikátnemu, zdržanlivému portrétu, ktorého výsledkom je iný druh filmu ako čokoľvek iné, čo sourozenci vytvorili. Jemný dotyk riaditeľov uľahčuje vcítenie sa do protikladu k jeho šťastnému hrdinovi napriek jeho agresívnemu postoju. Ale sú to naozaj piesne, ktoré oživujú náladu. Od ironicky nabitého „pána Kennedyho“ až po úplne tragickú „smrť kráľovnej Jane“ je Lyswynova odysea vyjadrená v melódiách koherentnejšie ako v ktoromkoľvek z jeho rozčúlených výpraskov. Je to druh stlmenia filmu, ktorý nikdy predtým nebol spustený s takými tichými výsledkami. Zatiaľ čo mačka Ulysses hrá kľúčovú úlohu pri oživovaní života Llewyna (Uggie kto?), Skutočnou hviezdou tohto filmu je hudobná gitara.

6. „Hodiny múzea“

Jem Cohen doteraz pripravoval intímne fiktívne denníkové filmy, ktoré boli zakorenené v pozornosti atmosféry a prešpikovali malými pozorovaniami, ktoré boli poskytnuté hlboko. Zatiaľ čo jeho nová funkcia „Museum Hours“ je technicky jeho prvým naratívnym úsilím, s párom amatérskych predstavení a chrbtovou kosťou fiktívneho príbehu, jeho neustála introspekcia a pozoruhodný zmysel pre miesto poskytujú plynulé spojenie s predchádzajúcou prácou. Na jednej strane je to smutná, dôvtipná štúdia charakteru, „Múzeum hodín“, tiež pojednanie o histórii umenia a milostný list architektonickému zázraku. Ozdobný príbeh, ktorý sa prevažne nachádza vo viedenskom veľkom múzeu Kunsthistorisches Art, sa skladá z strážcu múzea stredného veku Johanna (Robert Sommer, ktorý jemne ovplyvňuje debut na obrazovke), ktorého tiché vystúpenie mu umožnilo prchať do jeho okolia a pozorovať návštevníkov v rovnakej miere. spôsobom, ako sa pozerajú na umelecké diela. Tu sa stretáva so vzdialenou Annou (kanadskou skladateľkou Mary Margaret O'Hara), ženou tej istej generácie v meste, aby sa vysporiadala s oslabujúcou chorobou jej bratranca. Johann cítil izoláciu vo veľkom meste, fyzicky ohromujúci pocit, ktorý odráža jej vnútorné nepokoje, a rýchlo si vytvoril zväzok so ženou a udržiaval spoločnosť v meste. Či už hľadajú významy v obrazoch alebo v ich živote, ich tváre dosahujú umelecké výšky hodné toho istého preskúmania, aké bolo pridelené zbierke múzea.



5. „Modrá je najteplejšia farba“

Prvá sexuálna scéna v kategórii „Blue is the Warmest Color“, francúzska dráma pre dospievajúcich Abdellatif Kechiche o mladom lesbickom páru trvá dlhšie ako ktorákoľvek iná sekvencia vo filme. Pokiaľ však ide o jeho dĺžku, obmedzuje sa jej význam pre túto trojhodinovú funkciu. Po krátkom heterosexuálnom vzťahu, v ktorom stráca svoje panenstvo, 15-ročná Adéle (Adéle Exarchopoulos) padá pre študentku šikmého umenia Emma (Léa Seydoux) a momentom, keď dostanú šancu vyzliecť si šaty z vášne, exploduje. V nasledujúcom období bozkávania, olizovania, fackovania a stonania Kechiche ukazuje intenzitu ich fyzického puta, ktoré neskôr zvyšuje srdcový rytmus spôsobený sledovaním jeho rozpadu.

Exarchopoulos prináša odvážne, úplne dôveryhodné prielomové predstavenie v centre filmu a zobrazuje svoju postavu ako ženu uväznenú zmiešanými správami okolo nej. V škole ju jej rovesníci povzbudzujú, aby spolu chodili so spolužiakom, ktorý sa na ňu zameriava, ale keď zistia, že chodí so ženou, zabavia sa. Seydoux, sotva rozpoznateľná v prvej polovici pod mopom modro zafarbených vlasov, dokonale stelesňuje mentalitu voľného pohybu, ktorá Adéle ponúka únik z jej stabilnej existencie. Ich záväzky voči týmto postavám nesú príbeh. Napriek tomu scenár Kechiche, ktorý priťahuje grafický román Julie Marohovej, dokáže čiastočne sprostredkovať hĺbku pocitu zdieľaného párom čiastočne tak, že venuje svoj čas. Režisér vytvoril taký uveriteľný svet, že je ťažké sa nebaliť do stávok. V tomto ohľade je pohlavie menej hlavnou ingredienciou v „Blue is the Warmest Color“ ako celkové spôsoby, ktoré fyzika ovplyvňuje romantickú príťažlivosť.

Pod názvom „Život Adele, kapitoly 1 a 2“ vo francúzskom vydaní „Blue is the Warmest Color“ elegantne bojuje s myšlienkou zladiť túžbu s inými faktormi, ktoré sa podieľajú na kultivácii zdravej spoločnosti. V prípade Adéle príbeh pokračuje.

4. „Akt zabíjania“

V Joshua Oppenheimerovom „Akte zabíjania“ má dvojica gangstrov - zodpovedných za vraždu nespočetného počtu podozrivých komunistov v rokoch nasledujúcich po zvrhnutí indonézskej vlády v roku 1965 - šancu vyrátať svoje skúsenosti. Na prvý pohľad nevykazujú žiadne viditeľné výčitky svedomia, muži sa môžu pochváliť svojimi úspechmi a Oppenheimer využíva svoje nadšenie pomocou skrúteného triku: Muži dostávajú veľa príležitostí na znovuzavedenie vražd pre Oppenheimerovu kameru, niekedy zdôrazňujú ich brutalitu a občas dodávajú neskutočné, očarujúce zábery. ktoré ponúkajú grotesknú rotáciu klasických hollywoodskych muzikálov. Ak hráte veriac s vrahovami, Oppenheimer riskuje možnosť ich zmocnenia. Humanizáciou psychopatického správania je však „Akt zabíjania“ vo svojej znepokojivej perspektíve neporovnateľný s demenciou spojenou s diktátorskými extrémami.



Hlavným zameraním spoločnosti Oppenheimer je chudý muž menom Anwar Kongo, jeden z niekoľkých bývalých členov indonézskej polovojenskej organizácie Pancasila Youth. Kongo a jeden z jeho kolegov čerpajú z amerických filmových klišé ako hrozivý zlý človek a dopúšťajú Oppenheimer príbehy o ich vražedných úspechoch a sťažujú sa aj na vnímanie, ktorému čelia zo zvyšku sveta. „Máme príliš veľa demokracie,“ hovorí jeden z nich. Muži často označujú svoju gangsterskú silu za „slobodných mužov“, ale Oppenheimer postupne odhaľuje, že bez ohľadu na to, do akej miery ospravedlňujú svoju minulosť, zostávajú uväznení pretrvávajúcimi pocitmi nepohodlia, ktoré ich strašné skutky zasadili do ich hláv.

Star Trek objavuje vlka vo vnútri

Môže sa stať, že Oppenheimer príliš ľahko opustí Kongo a ostatných účastníkov. Nikdy nedostávajú priamy príchod. „Zákon zabíjania“ však týchto mužov implicitne oslobodzuje. Je možné, že im nebude záležať na spôsobe, akým prišli k fotoaparátu, pretože všetci túži vysvetliť samy seba; je to práve tá dychtivosť, ktorá potvrdzuje ich vinu.

3. „Pred polnocou“

Richard Linklater s názvom „Pred polnocou“ dokončil jednu z najlepších filmových trilógií všetkých čias. Uplynulo takmer 20 rokov od chvíle, keď sa Jesse (Ethan Hawke) a Céline (Julie Delpy) stretli vo vlaku vo Viedni a strávili spolu vášnivú noc v „Pred východom slnka“, potom sa náhle rozišli, len aby sa predbežne vybrali tam, kde skončili deväť. O niekoľko rokov neskôr s textom „Pred západom slnka“. Tento film sa skončil bez toho, aby sa vyriešila vzrušujúca možnosť: Mohol by Jesse, teraz úspešný spisovateľ uviaznutý v slepej uličke, zmeškať let späť domov a stráviť kvalitnejší čas s Céline? „Before Midnight“ odpovedá na túto otázku, zatiaľ čo sa pýta oveľa viac, čím spojí celú silu predchádzajúcich filmov do majstrovského pojednania o vývoji romantiky.



Jednoduchá odpoveď znie áno: Jesse vynechal lietadlo. O takmer desať rokov neskôr sa stále zaoberá následkami. S týmito filmami však nie je nikdy nič jednoduché, predovšetkým osud jej postáv. V úvodných minútach sa Jesse rozlúči so svojím 14-ročným synom, ktorý naďalej žije s Jesseho bývalou manželkou v Chicagu a práve dokončil dovolenku so svojím otcom v Grécku. Jesse sa rozlúči, vystúpi z letiska a prejde k svojmu autu, kde Céline čaká spolu so svojimi dvojčatami. Po dvoch desaťročiach manželia konečne uspokojili fantáziu formovania spoločného života, ktorý im vždy predchádzal v predchádzajúcich filmoch. Po zistení toho veľa sa „Pred polnocou“ ponorí do hlavy, aby určilo, či to stálo za to čakať - a znova sa vyhýba pevnému záveru. Keď Jesse a Céline diskutujú o svojej histórii spoločne, je to takmer ako keby spolu s nami sledovali predchádzajúce splátky. Nikto sa nediví nad maličkosťami tejto franšízy lepšie ako fiktívne stvorenia, ktoré to prežili, ale ani nedokážu predpovedať, čo bude ďalej.

Zatiaľ čo film stále otvára svoje budúce vyhliadky, film prináša experimentu celý kruh návratom k existenčnej túžbe, ktorú Linklater zachytil tak dobre. Je to príjemná rutina: „Pred polnocou“ je zriedkavý filmový úspech, ktorý si vyžaduje pozorných divákov v jeho poslaní pochopiť tajomstvá intímnych spojení. 'Skutočne si vážim túto komunikáciu, ktorú máme,' hovorí Jesse svojmu synovi, ale oslovuje aj publikum.

2. „Leviatan“

Nie som náboženský typ, ale Harvardské senzorické etnografické laboratórium prinajmenšom obnovilo moju vieru v kino. Tím zodpovedný za „Sweetgrass“, „Foreign Parts“ a tohtoročný fascinujúci festival ponúkajúci „Manakamana“ skutočne vytvoril novú pôdu s „Leviathan“, čo je expresonistický pohľad na život na palube (a mierne mimo palubu) rybárskej lode v Massachusetts. Režiséri Lucien Castaing-Taylor a Verena Paravel síce tvrdia, že sa nepovažujú za filmárov, ale určite vytvorili film na rozdiel od všetkého, čo mu predchádzalo.



V „Leviathan“ sú chvíle také úchvatné, že je ľahké zabudnúť, že sú tiež oboznámení. Zachytené na malých digitálnych fotoaparátoch pripevnených k prilbám pre rybárov, odhodených pod vlnami a rozhádzaných cez palubu medzi záťahmi s mŕtvym okom, obsahuje premietanie vizuálov naplnené „Leviathan“ rutinne disociačný efekt. Dialóg je riedky a vzdialený, utopený ťažiacimi strojmi, vetrom a vodou. Film sa mohol odohrať na inej planéte; namiesto toho sa na to pozerá zo zmyselného a úplne čerstvého hľadiska.

Napriek preťaženiu pamiatok a zvukov „Leviathan“ drží pozoruhodne presvedčivý estetický vzhľad, ktorý je plný nespočetných maliarskych dotykov, od červenej a modrej rukavice rybárov až po tmavo žltú farbu interiéru lode. Aj keď sa jeho perspektíva stáva stále viac cudzou, „Leviatan“ je plný života.

V mojom nadchádzajúcom zozname najlepších dokumentárnych filmov vydaných tento rok je dokument „Leviathan“ o niečo nižší ako niektoré iné tituly, aj keď sa tu objavuje najvyššia literatúra fikcie. Je to preto, že rovnako ako v prípade „Leviathan“ sa v tomto svete odhaľuje nový.

1. „12 rokov otroka“

Mnoho tematicky zameraných filmov sa ponorí do hlavných historických tém s neohrabanými umeleckými dielami a didaktickými manévermi, ktoré vedú mnohých divákov, aby im vyhoveli. „12 rokov otrokom“ nie je jedným z nich. Nerobí to jednoduchým, ale osobne to robí nešťastnú postavu svojho protagonistu bez šťastia. Vyvrcholením odvážneho formalizmu, ktorý režisér predstavil vo svojich predchádzajúcich celovečerných filmoch „Hlad“ a „Hanba“, McQueenova najlepšia práca podobne predstavuje kombináciu psychologických a fyzických prekážok, ktoré sú zakorenené v mimoriadne neškodnom zážitku. Na videu je však obzvlášť pozoruhodné, že tieto vody naviguje a zároveň komentuje historické dimenzie otroctva tým, že ich pochováva v detailoch. Každá scéna má alarmujúcu bezprostrednosť k nej, vďaka čomu sa cíti, akoby v súčasnosti existovala. Bez ohľadu na to, ako to prenasleduje, „12 rokov otroka“ zostáva strašidelne krásna.



Na základe bestsellerov spoločnosti Solomon Northup z roku 1853 prislúcha „12 rokov otrokovi“ veľa výkonu vyraďovacej ceny Chiwetel Ejioforovej a rovnako pôsobivým zvratom od Lupity Nyong't, Michaela Fassbendera a Sarah Paulsonovej. Hrdinský príchod Brada Pitta v záverečných scénach je pre nás všetkých skutkom milosrdenstva. Ale tí, ktorí považujú „12 rokov otroka“ za zbytočne masochistickú, iba potvrdzujú svoje právomoci. Vďaka svojmu pomalému horeniu McQueen premení atmosféru porážky na nepozorne viscerálne stretnutie. Viac ako silná elegancia je „12 rokov otrokom“ fascinujúcim triumfom umenia a polemiky: McQueen premieňa tému vzdialenú časom za zážitok, ktorý, ak nebudete žiť v strašnej ére, ktorú zobrazuje, vás bude cítiť, akoby ste vy som tam bol.



Najlepšie Články

Kategórie

Preskúmanie

Vlastnosti

Správy

Televízia

Toolkit

Film

Festivaly

Recenzia

Ocenenie

Pokladňa

Rozhovory

Clickables

Zoznamy

Video Hry

Podcast

Obsah Značky

Ocenenia Season Spotlight

Filmový Vozík

Ovplyvňujúce

Televízia

ocenenia

Správy

Iné

Pokladňa